Sequenza fotografica: un atto narrativo

Scorrendo i social o sfogliando selezioni di scatti — concorsi, portfolio, proposte editoriali — capita spesso di inciampare in serie di immagini dove le prime quattro foto sono a colori, la quinta è in bianco e nero, poi si torna al colore. A volte l’ultima chiude di nuovo in B&N, quasi a voler dare un senso di conclusione. Quando chiedi perché, la risposta è quasi sempre la stessa: “quella in bianco e nero è più emotiva.”
E lì si apre una domanda che vale la pena di farsi davvero.

Una sequenza non è una raccolta

Che si tratti di un carosello Instagram, di un portfolio da mandare a un’agenzia o di un reportage per un quotidiano, una selezione di immagini non è mai semplicemente una raccolta delle foto più belle scattate quel giorno. È una sequenza. Ha un inizio, uno sviluppo, una chiusura. Chi la guarda la percorre nell’ordine in cui l’hai costruita, e ogni immagine dialoga con quella prima e con quella dopo.
Questo significa che ogni scelta all’interno di quella sequenza comunica qualcosa. Il formato, la palette, il contrasto, la temperatura colore: tutto concorre a creare un’identità visiva coerente. Quando quella coerenza si rompe — anche solo per una foto — chi guarda lo sente, anche se non sa spiegare perché.

Il bianco e nero non è un amplificatore emotivo

C’è un equivoco diffuso, soprattutto tra chi sta costruendo il proprio stile, che il bianco e nero sia una sorta di potenziatore emotivo da usare quando una foto “ha qualcosa in più”. Come se togliere il colore aggiungesse profondità automaticamente.

Non funziona così. Il bianco e nero è un linguaggio. Ha una sua grammatica, una sua estetica, un suo modo di leggere la luce e le forme. Una foto in B&N non è più emotiva di una a colori: è semplicemente una foto raccontata in un modo diverso. E se quel modo diverso appare a caso nel mezzo di una sequenza a colori, non aggiunge nulla — anzi, interrompe il filo.

Mescolare i due linguaggi in una stessa serie senza una ragione precisa è come cambiare voce narrativa a metà di un racconto. Chi guarda si perde, e la sequenza perde forza.

La coerenza non è una regola: è una firma

Non stiamo parlando di protocolli accademici. Non esiste una legge che vieti di mescolare colore e bianco e nero. Ma esiste una differenza sostanziale tra una scelta consapevole e un’abitudine inconscia.

Una scelta consapevole regge a una domanda semplice: perché questa foto in bianco e nero e non le altre? Se la risposta è “perché mi sembrava più forte”, probabilmente non è ancora una scelta. Se la risposta è “perché in questa sequenza il B&N segna una rottura temporale, un cambio di prospettiva, un momento che vive in un registro diverso dal resto” — allora sì, ha senso. Ma deve reggere a quella domanda, senza esitazioni.

In SPORTSHOTS la posizione è abbastanza netta: nelle linee editoriali si chiede di mantenere uno stile narrativo coerente e di non mescolare colore e bianco e nero all’interno della stessa serie. Non perché sia sbagliato in assoluto, ma perché la coerenza visiva è parte del racconto stesso. Romperla senza una ragione solida indebolisce tutto il lavoro — che sia un carosello, un portfolio o un servizio per una testata.

La sequenza fotografica è già scrittura

Costruire una sequenza è un atto creativo tanto quanto scattare. La selezione delle immagini, l’ordine in cui le disponi, la palette che mantieni dall’inizio alla fine: sono decisioni che definiscono il punto di vista su quello che si è fotografato. Non sono dettagli tecnici, sono il racconto.

Un buon esercizio, prima di pubblicare qualsiasi sequenza, è guardarla tutta di seguito come se la si vedesse per la prima volta. E chiedersi: c’è un filo che tiene insieme queste immagini, o sono semplicemente le più belle scattate quel giorno?

Se la risposta è la prima, la sequenza funziona. Se la risposta onesta è la seconda, vale la pena rimettere mano alla selezione prima di pubblicare.
La sequenza fotografica è un atto narrativo. Vale la pena trattarla come tale.

Per approfondire

Chi vuole capire cosa significa costruire una narrazione visiva coerente nello sport ha due riferimenti imprescindibili: Walter Iooss Jr. e Neil Leifer, i due grandi fotografi di Sports Illustrated che per quasi mezzo secolo hanno documentato i momenti più iconici dello sport americano — dalle Olimpiadi ai Super Bowl, da Muhammad Ali a Michael Jordan. Il loro lavoro non è mai una raccolta di belle foto: è sempre una storia con un punto di vista preciso, un linguaggio riconoscibile, una firma visiva che rimane coerente dall’inizio alla fine. Iooss e Leifer non mescolano stili — costruiscono mondi.

Per chi preferisce restare sul fotogiornalismo europeo, il World Press Photo nella categoria Sport è ogni anno una lezione gratuita su come una sequenza di immagini possa raccontare un evento sportivo con la stessa profondità di un lungo reportage scritto. Vale la pena sfogliarlo non per cercare la foto più bella, ma per studiare come i vincitori costruiscono la sequenza.